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ENTREVISTA A BOTERO, AL CUMPLIR 80 AÑOS, POR JUAN GUSTAVO COBO BORDA. TEXTO SELECCIONADO Y EDITADO P  CECILIA 🎨🎨🎨🎨🎨 FERNANDO BOTERO, el más importante pintor colombiano de las últimas décadas, murió el pasado 15 de septiembre. A propósito de su fallecimiento, les brindo esta entrevista que el poeta, periodista y diplomático JUAN GUSTAVO COBO BORDA le hizo en 2012, cuando celebraba ocho décadas de vida. POR LO EXTENSO DEL TEXTO, EL MISMO SERÁ PUBLICADO EN DOS FRAGMENTOS.  ENTREVISTA A BOTERO, AL CUMPLIR 80 AÑOS, POR JUAN GUSTAVO COBO BORDA. TEXTO SELECCIONADO Y EDITADO POR CECILIA R SALAS PRIMER FRAGMENTO A MODO DE INTRODUCCIÓN… Todo comenzó cuando un pintor autodidacta, nacido el 19 de abril de 1932 en MEDELLÍN, llegó con diecinueve años a BOGOTÁ, para exponer en la GALERÍA DE ARTE del fotógrafo LEO MATIZ. El antioqueño recibió generosas críticas, como la del austriaco WALTER ENGEL y del polaco CASIMIRO EIGER -- también mentor literario de ÁLVARO MUTIS -- , quienes lo recibieron con simpatía y lo respaldaron. CASIMIRO EIGUER, ya en 1951, formuló esta certera apreciación: “La fuerza de BOTERO reside en una cualidad muy rara, el excelente equilibrio de los volúmenes, de las masas plásticas consideradas no sólo en sentido espacial, sino en función de esa ceremonia peculiar que les confieren los distintos tonos y colores, vistos en su distinta intensidad”. Es interesante estudiar cómo en un país, al parecer, aislado del mundo fueran un austriaco y un polaco, una argentina (MARTA TRABA) y un uruguayo (ARÍSTIDES MENEGHETT  y un español (CLEMENTE AIRÓ) los que, a fines de los cincuenta, dieran la batalla en pro de la innovación que su pintura representaba. Esto lo explicaba Botero con claridad, cuando afirmaba que los seculares problemas que las grandes obras de arte, reunidas en los museos de España, Francia e Italia que visitó, lo incitaban a dar una respuesta personal a lo que había admirado. Según palabras del propio BOTERO: “El claroscuro, contra la idea de color, la fluidez lineal, contra la plástica del color, el sentido espacia, l contra la idea de la superficie para decorar”. Ya entonces se harían notar algunos de los temas recurrentes de su pintura, como sería su propia versión de obras maestras; como el caso de su célebre homenaje a MANTEGNA, sus variaciones sobre los BUFONES de VELÁZQUEZ o las MONA LISAS de LEONARDO DA VINCI, que considera una manzana, cuyo misterio reside en sus ojos y no en su sonrisa. Con mucha claridad, JORGE LUIS BORGES, en su libro de ENTREVISTAS CON ESTEBAN PEICOVICH, mostró lo fecundo que era ser fiel a la tradición, en las artes plásticas: “Qué otra cosa han hecho los pintores sino repetir, a lo largo de los siglos, la VIRGEN CON EL NIÑO, LA PASIÓN, LA CRUCIFIXIÓN”. Esto mismo es lo que ha hecho BOTERO, al recrear a PIERO DELLA FRANCESCA, DURERO, RUBENS o VAN EYCK. A ello se añadiría otro tema conflictivo: la pregunta de si, CON SU RECHAZO A LOS EXCESOS DE POLITIZACIÓN DEL MURALISMO MEXICANO, la suya era una PINTURA LATINOAMERICANA. La respuesta la irían dando muchas de sus grandes telas, donde el color que emana de lo POPULAR, y LA IRONÍA QUE DESAJUSTA LAS PRETENSIONES GRANDILOCUENTES DE QUIENES SE CREÍAN HEROICOS, producían esos retratos individuales o en grupo, del SEÑOR PRESIDENTE Y LA PRIMERA DAMA, DE LAS JUNTAS MILITARES o de los INMENSOS PALACIOS PRESIDENCIALES QUE HAN QUEDADO COMO EPÍTOME DE UN CONTINENTE QUE PADECE, EN FORMA RECURRENTE, LAS DICTADURAS MILITARES. Sobre eso mismo escribieron una larga serie de narradores: ASTURIAS, ALEJO CARPENTIER, USLAR PIETRI o GARCÍA MÁRQUEZ, quedando simbolizado en el título de ROA BASTOS: YO EL SUPREMO. Eso fue lo que BOTERO LOGRÓ REPRESENTAR DE MODO PERDURABLE, AL ALIAR DESMESURA CON IRRISIÓN. IMPACTO VISUAL CON PENETRACIÓN PSICOLÓGICA . En esa realidad se insertaría un BOTERO que, al regresar de ITALIA, ya busca la quietud impávida que asegura la permanencia de sus figuras mientras, por otra parte, inicia un proceso de DEFORMACIÓN o INFLACIÓN -- que EUGENIO BARNEY llama el ABSURDO DE LAS FORMAS --, que CUESTIONA LA MIRADA TANTO DE LOS GRUPOS FAMILIARES COMO DE LAS CASAS DE CITAS, tan CONVENCIONALES AMBAS EN SUS ESTEREOTIPOS DE RESPETABILIDAD COMO DE PERMISIVO EXCESO. PINTURA DE MONSTRUOS, como se la llamó entonces (LOS ADORABLES MONSTRUOS, tituló GONZALO ARANGO su crónica de 1964), QUE NO DEJA DE EJERCITAR UN PUNZANTE AGUIJÓN DE SÁTIRA SOCIAL. Pero ESE ARTE POSEE DONES MONUMENTALES, VALORES SUGERENTES, DEFORMACIONES FORMALES QUE LO SITÚAN DIRECTAMENTE EN EL MUSEO, Tal como sucede hoy en día. En 2004, la pintora BEATRIZ GONZÁLEZ, a partir de las SUCESIVAS DONACIONES de BOTERO al MUSEO NACIONAL, marcará otros DOS TEMAS FUNDAMENTALES en su trabajo, insertados en lo local colombiano y en el dominio adquirido de un estilo: LA RELIGIÓN Y LA VIOLENCIA. PAPAS, OBISPOS, ARZOBISPOS, CARDENALES, SACERDOTES Y NUNCIOS, MONJAS y -- como antagonistas ineludibles --, DIABLOS que sobrevuelan con cuernos y colas, integran uno de los más DILATADOS FRESCOS del PAPEL DE LA RELIGIÓN, EN LA VIDA DE AMÉRICA LATINA, acompañado todo ello de una SERIE DE OPULENTAS Y REPOLLUDAS VÍRGENES Y SANTAS, que bien podrían haber surgido del arte colonial, y que ahora se llamarán NUESTRA SEÑORA DE NUEVA YORK o DE COLOMBIA, DE CAJICÁ, o la NUEVA SANTA ROSA DE LIMA (1977), algunas de ellas ofrecidas en el nido de un árbol, entre lluvias de flores y la concebida serpiente oprimida por su pie bendito. Es innegable que se trata de todo UN COSMOS EN TORNO A LA FE Y SU PAPEL EN EL ORDEN SOCIAL. De que existe humor en su obra, no cabe duda, pero también GOZO DE LA PINTURA, AL EXALTAR LA FORMA Y LOGRAR QUE EL COLOR HAGA COMPATIBLES LOS EXTREMOS MÁS ANTAGÓNICOS DE LA PALETA, como en el caso de sus INFINITAS NATURALEZAS MUERTAS, donde de sorbetes a morcillas y de frutas a ponqués, hay tal EXALTACIÓN, REGODEO Y ELOGIO DE LA VIDA MISMA Y SUS ALIMENTOS TERRESTRES, QUE LAS MISMAS SE ERIGEN COMO JUBILOSA EXALTACIÓN DE UN TEMA CLÁSICO. Aquellas recompensan, de alguna forma, el HORROR DESNUDO DE SUS SERIES ENFOCADAS SOBRE LAS MASACRES, LOS GUERRILLEROS, LOS PARAMILITARES u la la PRISIÓN DE ABU GHRAIB (2005), que el ensayista y teórico norteamericano ARTHUR C. DANTO denominó “arte perturbador, arte cuyo punto y objetivo es hacer vívidos y objetivos nuestros pensamientos subjetivos más espantosos”. estas ALGUNAS DE LAS VISIONES QUE SE HAN TENIDO DEL ARTE de FERNANDO BOTERO, las que deben complementarse con el hecho de su GRAN ÉXITO COMERCIAL. Su cuadro DESAYUNO EN LA HIERBA, variación del homónimo de MANET, se vendió por 1.045.000 dólares, en 1991, al cual le sucederían en 2006 y por 2.032.000 dólares su óleo sobre lienzo LOS MÚSICOS (1979) y su escultura LOS BAILARINES (2007), por 1.762.500 dólares, en 2011. Con razón, BOTERO puede decir: “Pinto hace sesenta años y mis obras siguen vivas.” Con este motivo, he conversado una vez más con el artista .(Cont.) CECILIA |
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Muchas gracias a todos los lectores que visitan mi Blog, honrándome con el privilegio de su atención e inapreciable tiempo. Aprovecho la oportunidad para desearles a todos que logren ser felices siempre, sea cual sea la realidad que les toque vivir, invitándoles, como siempre, a que continúen visitando mi espacio, que es también el suyo, lugar en donde siempre serán cordial y afectuosamente bienvenidos. Saludos solidarios e istmeños de CECILIA  CECILIA
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